Jacques Pugin ist ein international anerkannter bildender Künstler und Fotograf, der die Grenzen der Fotografie immer wieder neu auslotet. Als Vorläufer des Light Painting seit den späten 1970er Jahren folgte seine Arbeit später einem post-photographischen Ansatz. Aber auch hier überrascht Jacques Pugin, indem er die Codes der zeitgenössischen Produktion durchbricht. Er überlagert, komponiert neu, experimentiert und vermischt Techniken, um seine eigene Art zu erfinden, die Welt abzubilden. In seinen Werken erforscht er die Beziehung des Menschen zur vergehenden Zeit und zu seiner Umwelt. Er trifft auf einen Avantgarde-Fotografen, der sich von den Zwängen des Werkzeugs befreit, um das Wesen seiner Kunst zu berühren und der Welt, die ihn umgibt, eine fulminante Hommage zu erweisen.
Die Kunst von Jacques Pugin | Spiel mit Linien und Licht
Lassen Sie uns zunächst auf Ihren Werdegang als Künstler eingehen. Wie sind Sie Fotograf geworden?
Das Schaffen war für mich schon immer eine Selbstverständlichkeit. Ich fühle mich dem Maler und dem Bildhauer näher als dem Fotografen. Ich war einer der ersten Fotografen, die ein Kunststipendium erhielten, als die Fotografie noch nicht so anerkannt war, wie sie es heute ist. Künstler zu sein war für mich eher eine Notwendigkeit als eine Wahl. Das Schaffen war für mein Gleichgewicht unerlässlich. Mit 18 verließ ich meine Eltern, um Fotografin zu werden, und die Kunst hat mich nie verlassen.
Im Zusammenhang mit Ihrer 1979 entstandenen Serie Graffiti Greffés geht der Journalist Christian Caujolle auf die Etymologie des Begriffs Fotograf ein - derjenige, der "mit dem Licht schreibt". Welche Beziehung haben Sie in Ihrer Kunst zum Licht?
Licht ist für mich ein Schreibmittel, mit dem ich meine Passage in das Bild einschreiben kann, indem ich bestimmte Aspekte der Landschaft hervorhebe. Ohne es zu wissen, habe ich mich in eine Form der Land Art begeben. Ich begann 1978 damit, den Raum mit einem fünf Meter langen Seil zu besetzen. Dann verspürte ich das Bedürfnis, die Natur freier zu bewohnen. Dann kam mir die Idee der Lichtspur. So wurde ich zum Vorreiter in der Kunst des Light Painting. In den Serien Graffiti Greffés und Graffiti Rouge verwendete ich die Flamme einer Kerze, wie man einen Bleistift schwingt. Wenn das Licht der Strömung des Flusses folgte, auf dem ich es hin und her schob, fotografierte ich die Zeit, die unaufhaltsam vergeht. Und die Lichtlinien, die sich durch meine Werke ziehen, spiegeln den Einfluss des Menschen auf die Natur wider, so wie der Fotograf die Realität modelliert. Ich spreche in meiner Kunst von der Zeit, die vergeht, als von den Spuren, die der Mensch auf der Natur hinterlässt. Die beiden Begriffe sind untrennbar miteinander verwoben.
In Ihren Werken erforschen Sie sowohl Schwarz-Weiß als auch Farbe. Zu welchem Prisma haben Sie die innigste Beziehung und was sagt das über Ihre Kunst aus?
Meine Wahl hängt hauptsächlich von der Art des Projekts ab, das ich durchführe. Ich ordne die Farbtöne auf meine Weise an, um bestimmte Elemente der Landschaft hervorzuheben. Von Farbe wechsle ich zu Schwarz-Weiß, vom Positiven zum Negativen. Die Form, die das Werk annimmt, passt sich dem Thema an, das ich behandle, den Emotionen, die ich vermitteln möchte, und der Ästhetik, die ich tragen will.
Jacques Pugin und die Alpen | Von den blauen Bergen zu den Schattenbergen
In der Serie La montagne bleue (Der blaue Berg) stellen Sie die berühmtesten Gipfel der Alpen in den Mittelpunkt. Was verraten diese Werke über die Berge?
Hier modelliere ich den Berg auf meine Weise um, durch ein Spiel von Formen und Farben. Wir befinden uns in den 1990er Jahren und diese aus Videos erstellten Werke wurden bei mir zu Hause mit den damaligen Technologien ausgedruckt. Der Ansatz war malerisch. Ich habe mir die Berge zu eigen gemacht und ihnen einen persönlicheren Aspekt verliehen. Das Malen der Berge ermöglichte es mir, dort meine Spuren zu hinterlassen. Diese Bilder tragen einen Teil des Mysteriums in sich. Mehr als das Wesen der Berge offenbaren sie meine Verbindung zu dieser Natur, die mir so nahe ist, und meine Art, sie mir anzueignen.
In der Serie La montagne s'ombre scheinen Sie nicht nur eine unberührte Natur zu beleuchten, sondern durch die Verwendung einer starken Grafik das Wesen der Berge zu enthüllen. Was vermitteln diese Werke letztendlich?
Die Schatten des Berges zu betonen war für mich eine Art, die Landschaft zu sublimieren. Eine Möglichkeit, bestimmte Elemente des Bildes hervorzuheben. Eine Art, den Berg neu zu bemalen, um ihn in ein Kunstwerk zu verwandeln. Die Grafik und die ästhetische Kraft dieser Kreationen ermöglichen es, die Erhabenheit der Gipfel zu betonen. Die Merkmale der Berge hervorzuheben und sie mir gleichzeitig zu eigen zu machen. Die Natur umzugestalten, um einen viel persönlicheren Aspekt der Berge zum Leben zu erwecken. Über die Fotografie als Träger der Realität hinaus arbeite ich am Bild, im Bild, um es in ein einzigartiges Werk zu verwandeln, das mir entspricht. Die Bilder, die wir machen, entsprechen uns natürlich immer, aber ich meine damit, dass mein Vorgehen eher dem eines bildenden Künstlers als dem eines Fotografen ähnelt. Ich betone, unterstreiche, schwäche ab und modelliere, um die Realität zu sublimieren, um sie anders zu gestalten. Die Fotografie ist ein Material, das ich bearbeite, ein Werkzeug, das ich benutze, um meiner Kunst einen Sinn zu verleihen.
Licht auf The Matterhorn | Wenn die Natur zum Künstler wird
Sie haben das Projekt Day after day dem The Matterhorn gewidmet. Was bedeutet dieser mythische Berg in den Schweizer Alpen für Sie und welche Rolle spielt der Berg in Ihrer Kunst?
Das Matterhorn ist für mich einer der schönsten Berge der Welt. Seine Pyramidenform ist außergewöhnlich. Die grafische Gestaltung seiner Linien ist einzigartig. Es ist sehr fotogen und sofort erkennbar. Das Matterhorn ist das eigentliche Symbol der Berge und ein sehr inspirierendes Vorbild für mich als Künstlerin.
Ich liebe extreme Landschaften, die Wüste und die Berge. Natürlich habe ich eine besondere Beziehung zu den Alpen, da ich in Kontakt mit den Bergen aufgewachsen bin. Sie sind für mich eine natürliche Quelle der Inspiration. Ich glaube nicht, dass meine Kunst die Größe der Berge besonders hervorhebt. Sie gibt nicht die Erhabenheit der Alpen wieder. Aber ich benutze die Berge als kreatives Thema, als Ausdrucksmittel, das im Laufe der Zeit meine Kunst nährt.
Um dieses Projekt zu verwirklichen, haben Sie jeden Tag die Bilder einer Webcam in Zermatt aufgenommen, die das Matterhorn filmt. Hélène Beade spricht von einem Palimpsest, um diesen unglaublichen Korpus zu definieren. Wie sehen Sie den Platz der Natur und Ihre Rolle als Künstlerin bei der Entstehung dieser Werke?
Die Natur ist ein wenig der Künstler dieses Projekts. Das Matterhorn verschwindet in den Wolken, wird weiß, hüllt sich in Schwarz und spielt mit dem Licht. Im Laufe der Zeit verwandelt die Natur den Berg wie ein Künstler. Sie formt ihn und malt ihn. Ich erweise ihr die Ehre, indem ich dem Werk meine eigenen Filter hinzufüge. Ich habe die Bilder ausgewählt und arrangiert, die Pixel, aus denen sich die Bilder zusammensetzen, vergrößert und dem Betrachter den durch Pointillismus neu gezeichneten Berg präsentiert. Außerdem wollte ich mit meiner Kunst die unausweichliche Macht der vergehenden Zeit zum Ausdruck bringen. Das Einfrieren von Vergänglichem ist für mich eine Art, die Zeit zu markieren, sie zu prägen, um sie besser festhalten zu können. Auch wenn sich die Natur weiterhin unaufhörlich weiterentwickelt.
Angesichts des Klimawandels | Blick des Fotografen auf die Entwicklung der Berge
Sie haben zwei Fotoserien zum Thema Gletscher realisiert. Ihre Arbeit offenbart sowohl die Ironie der Menschen, die versuchen, das Verschwinden der Gletscher zu verlangsamen, um für ihre eigenen Interessen zu sorgen. Und sie erscheint gleichzeitig als eine Hervorhebung der Pracht der Gletscher, ihrer Geschichte und der Tragik ihres Schicksals. Wie sehen Sie die Rolle des Künstlers angesichts des Klimawandels und der Veränderungen, die sich im Hochgebirge vollziehen?
In der Serie Glaciers bin ich Zeuge der Spur eines Mannes, der verzweifelt versucht, das Schmelzen des Eises zu verlangsamen. Unter dem theatralischen Aspekt dieser Rettung geht es um viel Geld. Denn jedes Jahr strömen Touristen in das Innere des Rhonegletschers, um dessen Schönheit zu entdecken. Ein illusorisches Überleben. Für mich ist diese Arbeit jedoch nicht abgeschlossen. Diese Fotos zeugen lediglich von einer Realität ohne nachträgliche künstlerische Umgestaltung. Es ist eine Form des Weltuntergangs, eine Momentaufnahme des Dramas, das sich abspielt. Die Katastrophe ist so eklatant, dass sie sich selbst genügt und unsere Fassungslosigkeit mit sich reißt. Ich bin diesen Sommer mit Thomas Crauwels an das Eismeer zurückgekehrt und es ist eine Katastrophe. Das Eis vermischt sich jetzt mit Kies, wenn es nicht sogar den Felsen Platz gemacht hat. Wir stiegen zum Géant-Gletscher hinauf, um die letzten hitzeresistenten Eisreste betrachten zu können. Doch die Zeit läuft ihnen davon.
In meiner ersten Fotoserie über Gletscher beschwöre ich die Nähe ihres Verschwindens herauf. In meiner nächsten Serie, Glaciers Offset, versuche ich, sie wieder zum Leben zu erwecken. Nachdem ich ihren Verfall festgestellt habe, benutze ich das Bild, um die Zeit zurückzudrehen. Vom Rohen verwandelt sich die Fotografie. Die Werke entspringen meiner Vorstellungskraft. Ich habe diese Werke auf der Grundlage von Videos geschaffen, die mit einer Drohne über den Gletschern aufgenommen wurden. Durch das Übereinanderlegen der Aufnahmen, durch Transparenz, durch Montage, führt meine Kunst zu ihrer Rekonstruktion. Durch die Dynamik der Werke scheinen die Gletscher wiedergeboren zu werden, ihre Geschichte scheint wieder aufzutauchen und ihre Schönheit wird wieder sichtbar. Es geht mir nicht darum, eine Realität wiederzugeben. Ein objektives Bild gibt es nicht. Sondern darum, meine eigene Vision von Gletschern zu vermitteln, von dem, was sie ausmacht, von ihrer Geschichte und ihrer Zukunft. Ich benutze Video und Fotografie, um die Welt neu zu malen, um ein persönliches Werk aufzubauen.
In einem Ihrer jüngsten Korpora, La montagne assiégée, prangern Sie den Massentourismus, die von Menschenhand entstellten Berge, die Umweltverschmutzung und den übermäßigen Konsum an. Hier befleckt die Farbe mehr als sie erhellt, sie sticht eher als dass sie streichelt. Glauben Sie, dass Kunst dazu beitragen kann, das Bewusstsein zu schärfen?
Ich betrachte meine Werke nicht als direktes Zeugnis für die Entwicklung der Welt. Im Gegensatz zu den Klischees des Fotojournalismus sprechen meine Werke den Betrachter nicht direkt an. Die Komposition erschließt sich durch eine doppelte Lesart. Als Künstler gestalte ich das Rohbild um, ich nehme es auf, bevor ich es rekonstruiere. Ich stelle mir etwas vor, indem ich mit Formen und Farben spiele. Ich benutze die Fotografie wie ein Plastiker, indem ich sie übermale und umgestalte. Ich spiele auf Themen an, die mich berühren, ohne es wirklich anzukündigen. Der Betrachter hingegen ist zunächst von der Ästhetik des Werks beeindruckt, bevor er in die Reflexion einsteigt. Auf die Wahrnehmung folgt das Verständnis. Ja, meine Werke regen zum Nachdenken an und machen auf Themen aufmerksam, die mir am Herzen liegen, aber indirekt, durch Berührungen, durch Anklicken.
Jacques Pugin stellt seine Werke auf der ganzen Welt aus und wagt sich immer weiter vor, indem er je nach Inspiration mit Materialien und Werkzeugen experimentiert, bis er an die schillerndsten Grenzen seiner Kunst gelangt.
